문화평론

Les expositions actuelles du point de vue d'un « latte-chung » (personne qui ne jure que par les cafés branchés)

L'exposition « LEE GIHUN: After Everything » de l'artiste Lee Gihun, qui se tient à la galerie Groundseesaw East, un centre commercial de Gwangjin-gu, Séoul, est la première exposition d'œuvres originales de l'artiste en Corée, qui attire l'attention d'une partie du monde de l'art et des galeries étrangères. Je suis fier de voir de jeunes artistes attirer l'attention sur le marché mondial en utilisant un langage pictural unique basé sur des bases solides.

Dans le passé, l'art était une servante de la culture, utilisée comme moyen de promouvoir la légitimité du pouvoir politique et d'embellir l'idéologie dominante. C'était particulièrement vrai en Corée. Bien que cette pratique ait entraîné toutes sortes de corruptions, de renversements de valeurs et d'art de mauvaise qualité dans le monde de l'art, je suis heureux de voir que les jeunes générations continuent de développer leur propre monde. Il y a aussi le phénomène où, une fois qu'un artiste est reconnu à l'étranger, le marché intérieur le redécouvre, ou une tendance qui se répand dans le monde entier si les Coréens l'apprécient alors qu'il est ignoré à l'étranger. Il est naturel que l'esprit humain soit influencé par le point de vue des autres (conformité) ou qu'il intériorise le point de vue de l'autre comme sa propre pensée (intériorisation), mais tout excès est une tragédie.

Les tendances vont et viennent, mais la série « Mask Play », qui projette l'être humain du futur à travers des animaux masqués, ne m'a pas donné l'impression d'être un livre prophétique ni l'envie de le posséder. Cependant, même si je pouvais facilement exprimer mes préférences, le prix des œuvres était hors de portée, et j'étais heureux de voir que le génie de Lee Gihun était pleinement reconnu. La Corée est un pays qui a longtemps créé une atmosphère sociale qui anéantit les génies. J'espère qu'à l'avenir, tous les maîtres cachés lèveront la tête et exigeront leur juste valeur.

Critique de l'œuvre

Est-ce une peinture ou une gravure sur fond sombre et aux images lourdes, qui ne m'est pas apparue clairement ? Ce n'est qu'en m'approchant et en regardant de plus près que j'ai pu apprécier les nombreux coups de pinceau, un effort incroyable, et rencontrer un jeune artiste qui s'efforçait d'atteindre une concentration et une expression élevées. Des couleurs de fond répétitives, contrastant avec les formes rouges mais ne se mettant pas mutuellement en valeur, ont attiré mon regard. Ces formes ne sont pas de simples couleurs voyantes. Contrastant avec l'arrière-plan sombre et terne, les débris d'usine, les fils électriques, le ciel nuageux, les vagues déferlantes, les yeux sans pupilles, etc., les derniers survivants d'un monde déjà disparu s'entraident. La scène où ceux qui viendront dans le futur tiennent des parapluies et attendent les vestiges d'un espoir qui n'a pas encore disparu a été une émotion rare qui m'a fait verser des larmes en regardant l'exposition de peinture.

La texture créée par l'aquarelle et l'acrylique posées en larges couches, puis les pastels à l'huile superposés, était bien plus intense que prévu. Les lignes douces mais rugueuses des pastels à l'huile, plutôt que de fixer clairement les formes, donnaient l'impression de les retenir au moment où elles étaient sur le point de se défaire. La surface, qui semblait conserver la pression et la chaleur du bout des doigts, avait un poids totalement différent de celui d'une image numérique, et ce poids, associé au rouge, a fait que l'œuvre est devenue physiquement présente, au-delà de la simple stimulation visuelle. Alors que l'acrylique créait une surface plane et sèche, le pastel à l'huile y ajoutait une couche tactile. Les lignes se superposaient, les surfaces étaient frottées, et parfois presque griffées, accumulant des marques, transformant l'écran non pas en une simple image, mais en une matière portant les traces du temps et du travail.

Sa matérialité a transformé l'acte de « voir » l'œuvre en un acte proche de celui de la « toucher ». En s'approchant, les particules de pastel à l'huile se révélaient, et de loin, elles se condensaient en une masse, accentuant la forme rouge. Les formes rouges sont principalement des enfants portant des masques d'animaux, ou des êtres mêlant animaux et humains. Ils marchent dans des rues inondées ou des paysages en ruine, portent du feu et s'étreignent. Les masques cachent les visages, mais en même temps, le regard de ceux qui les portent est perçant. L'image d'enfants portant des masques d'animaux ressemble à une forme de camouflage pour des êtres qui doivent survivre dans l'ordre étrange créé par le monde des adultes.

Les formes mêlant moutons et lapins, ours et poissons, lapins et poissons ne semblent pas être des parties de la nature, mais plutôt le résultat de la nature et de l'homme se dévorant mutuellement. Les scènes où ces formes traversent l'eau, portent des braises et se soutiennent mutuellement évoquent la compassion, tout en nous faisant nous interroger sur les prémisses de cette compassion. Un récit rappelant l'arche de Noé imprégnait l'œuvre, mais cette arche ne reste pas seulement un symbole de salut. L'image d'enfants portant la vie et marchant dans un paysage inondé aurait pu être interprétée comme un espoir, mais elle laisse planer le doute que cet espoir lui-même est déjà une histoire institutionnalisée et manipulée.

George Orwell a été dénigré à son époque

Ce doute a naturellement évoqué George Orwell. Le monde qu'Orwell a dépeint était une société où la vérité était cachée par la surveillance, le contrôle et la distorsion du langage. L'époque où les massacres de l'humanité, perpétrés de son vivant et avant lui, ne pouvaient être exprimés que par des métaphores et des allégories, semblait revivre dans l'œuvre de Lee Ki-hoon, insufflant la vie aux masques. Les masques cachent l'identité, mais en même temps, le regard des êtres masqués les uns sur les autres crée une tension, comme s'ils se vérifiaient et se surveillaient mutuellement. Ils avancent pas à pas dans un monde en ruines, mais la direction de leur progression n'est pas claire. Le titre « Le paradis de demain » résonnait d'autant plus lourdement sur cette incertitude, et les êtres marchant vers ce paradis encore à venir se tiennent au milieu des débris d'aujourd'hui.

L'expérience de l'artiste, qui a observé dans son enfance un paysage où un parc national et une immense cimenterie coexistaient à la campagne, est un indice important pour comprendre cette ambivalence. J'ai été surpris par la façon dont ce paysage, où la révérence pour la nature et les cicatrices laissées par le développement humain coexistaient, a été recréé dans l'œuvre par le contraste entre des formes rouges et un fond sombre. La cohésion de ce contraste n'était pas une simple opposition de couleurs, mais un dispositif révélant la contradiction inhérente à la manière dont l'homme perçoit la nature. J'espère que Lee Ki-hoon sera un artiste qui concrétisera ce génie dans son œuvre et dans la réalité. J'espère qu'il ne restera pas un Coréen égaré, comme les génies des générations précédentes qui, par arrogance et séduction, ont dilapidé leur fortune et perdu leur temps. J'espère que ces nombreux coups de pinceau intenses seront un avertissement et une fenêtre pour le monde, un miroir qui transpercera l'égoïsme humain. La société coréenne doit être une société qui accueille de nombreux génies et qui est prête à les apprécier. Elle doit permettre de se moquer librement des vieux idéologues qui dénigrent et divisent par jalousie et envie.

Les problèmes sociaux et environnementaux ne sont pas abordés de manière directe et explicite dans l'œuvre. Au lieu de cela, ils s'infiltrent dans le paysage en arrière-plan, dans le mouvement des formes, dans le contraste des couleurs. Le ciel enfumé des usines, le paysage traversé par les fils électriques, les enfants marchant dans les rues inondées évoquent à la fois la crise climatique et les vestiges de la civilisation industrielle. Cependant, cette évocation n'est pas figée dans un langage critique. La texture créée par les lignes rugueuses du pastel à l'huile et les surfaces planes de l'acrylique incite le spectateur à « ressentir » plutôt qu'à « juger » le paysage. Les marques laissées par la pression du bout des doigts sont des traces « réelles » que les images numériques ne peuvent jamais imiter, et ces traces rappellent au spectateur son propre corps. Qui est l'objet de notre regard ? N'avons-nous jamais été conscients du masque que nous portons ? Le paradis de demain ne peut-il pas être construit sur les vestiges des désirs d'aujourd'hui ? Ces questions ne sont pas posées directement par l'œuvre, mais surgissent dans l'esprit du spectateur pendant qu'il se tient devant elle.

Même en quittant l'espace d'exposition, ces formes rouges ne s'effaçaient pas facilement. L'image rémanente, après la fraîcheur et l'intensité de la technique, est le regard qui sous-tend cette technique. Le regard qui observe la société, l'idéologie et les désirs humains au-delà de la singularité est réfracté à travers le masque, puis condensé en rouge et présenté au spectateur. C'est l'expérience de revoir une facette du monde dans lequel nous vivons déjà, des œuvres qui nous font réfléchir à ce que les visages cachés derrière les masques se regardent mutuellement, et où ce regard finit par se diriger. Cette question ne s'est pas facilement dissipée même après avoir quitté la salle d'exposition. En revenant à la ville dans l'image rémanente des formes rouges qui procurent à la fois tant de commodité et de solitude, j'ai réfléchi à la tristesse que la commodité solitaire, indispensable à la vie quotidienne des Coréens, peut engendrer. Le masque a légèrement tremblé par ce temps frais qui nous pousse à remonter nos cols.